msa Xperimental Art

“ZEITGEIST: ADDENDUM”
[ RELEASED 10/02/08 ]

great video and if you are going to loss your home watch it carefully an you may not.

other link of interest new form of society  The Venus Project

We visited Peter Kastan in his new project ” The Living Wall” next to the Miami River the work is in proses and very impressive  we thank Peter for this and hold him dear to our hart thanx Peter may the wall flourish in all its splendor. Creativity is a wonderers place. Hope you enjoy the vid.

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Julio Suárez 2009

En el Museo de arte Moderno, Santo Domingo Julio Suárez “Pinturas Reciente”.

Dionis Figueroa December 21 at 9:03pm

Julio Suárez y “el sonido de una mano que aplaude”

“El flujo de energía que produce una porción de espacio con determinado color es experiencia de vida. Siempre he querido hacer algo para un lugar específico; que el trabajo realizado se convierta en el lugar. Lo imagino con un solo color, con una sola forma; que exista cuando hay alguien presente para luego desaparecer”.

Julio Suárez. 2009.

(Texto de muro de la muestra “Pinturas Recientes”. Museo de Arte Moderno. Dic.- Feb 2010. Santo Domingo. RD)

Por: Dionis Figueroa

Fotos: José Fondeur

Julio Suárez (Puerto Rico) es uno de los maestros de las artes visuales latinoamericanas que goza de mayor prestigio en la región del caribe de donde es oriundo, no solo por el consenso generacional al que pertenece (Guaynabo, 1947), sino por las características que han definido su trabajo plástico, en diversos momentos de fluencias creativas.

Sus inicios se definieron en México, en la Academia de San Carlos de la UNAM. En los talleres que el maestro Manuel Felguérez dirigía a finales de los 70, en ese centro docente. Desde entonces para Julio Suárez, la abstracción geométrica también conocida como la escuela formalista, es uno de los canales principales por los que el artista se encuentra con su propia interioridad y desde donde fluyen las ideas que sustentan sus propuestas pictóricas, cuales disfrutamos plenamente en esta muestra de “Pinturas Recientes, Serie SD” que el artista recién inauguró para el público dominicano. Logrando dignificar y honrar las paredes de nuestro Museo de Arte Moderno con la sobria presencia de su legado y de ese transito de la luz cual en su obra señala y testimonia, como definición del color luz, y de su efecto al ser percibido por el ojo humano, como fenómeno del asombro.

En la recién pasada década, la obra de Julio Suárez se adentraba en regiones oníricas abstraccionistas, de las que forjaba un discurso informal distinto al que hoy presenciamos. Mucho más accidentado y poético. Pero toda su trayectoria ha sido fundamentada en la geometría desde sus inicios en la Academia de San Carlos y eso le añade un sentido único y personal al uso del color luz y de la forma. Al tratamiento que él hace del espacio pictórico y físico de su obra. Logrando obtener un desarrollo ejemplar como artista y como pintor. Pocos artistas han logrado adentrarse en lo simple como testimonia su obra y desde ese silencio esencial, forjar sinfonías de color luz y armonía monocromáticas de equilibrada hechura que nos muestran y transpiran una fuerza espiritual dinámica e íntegra. Alentadora.

Uno de los ingredientes de esta muestra como conjunto, es la capacidad de síntesis que muestra poseer el artista. Esta tendencia esencialista, absorbe definiciones minimales, sin estar ligado al fundamento de esta filosofía estética cual se forjó en los años 60. Claro, el conocimiento va a la par con el tiempo y Julio Suárez el artista, quien además en la actualidad dirige el departamento de pintura de la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Cultura Puertorriqueña, logra comunicar estas ecuaciones emotivas con mucha claridad y simpleza. Suárez logra transmitir una fuerza lírica tremenda con estas precarias sutilezas, estas caricias del viento por así llamarlas, casi de una manera silente. En el caso de esta “Serie SD”, el lirismo va muy ligado a la simpleza de la forma y de su estructura. A la naturaleza misma de la monocromía y a la redefinición que él logra conjugar con su tratamiento del color luz y los planos en la pintura, de igual manera a como el lirismo ha sido definido y asociado en la opera, en el teatro dramático del renacimiento en Italia y del “bello canto”, con el uso extensivo de la monocromía de una sola nota que se sostiene en el tiempo-espacio acústico.

Por azares de la vida Julio Suárez se ha nutrido de esas áreas ligadas al teatro, al diseño escénico y probablemente, absorbió ese alimento espiritual desde estos campos expresivos y con ello enriqueció su pintura de tal manera supraconciente, logrando cautivar ese enigma del silencio que hace ascender su obra hasta elevarla a regiones sublimes y simples de su expresión humana.

Retomando el esencialismo como axioma subyacente en su obra, entiendo la validez en su propuesta como señalamiento icónico y estético. Como sugerencia ante el tiempo que experimenta esta humanidad globalizada (siempre ha sido así, solo que antes no había conciencia de ello). Percibo la relación directa con este nuevo siglo cual nos ha clamado a presenciar las bases de su origen y lo relaciono con su obra de forma íntegra y en sincronía, casi de una manera taoista, con el acontecer del tiempo mismo. Con la percepción de su dinámica tangible y siempre renovable en su forma, color luz, saturación, equilibrio, silencio. Algo que solo se logra con el acontecer del tiempo. Su pintura esta cargada de madurez y sin atavíos o desdén, nos hace experimentar de una manera directa y simple una dinámica perceptiva en torno al color luz, cual logra adentrarnos en lo poético del color y sus efectos perceptivos.

La estructuración de la imagen, el pintor la pauta en base al desprendimiento mismo, como si desvistiera la auto-proyección, y desprendiéndola del “YO” que la formula, el artista logra aunar mayor poder del espíritu manifiesto en su pintura. Mayor cuantía de su pureza santifica este lugar. Y este eco de pureza, transita libremente logrando saltar de una obra en otra, así como la luz viaja entre puntos siderales activando el espacio mismo y dinamizando lo inerte sin vestigios de violencia. La misma experiencia que forjó en mi la música de Egberto Gismonti, en uno de sus conciertos en vivo cual presencié en el Blue Note del Village, a principios de la década de los años noventa.

Si nos adentramos en las teorías de la luminiscencia, descubrimos que el color es solo la luz cuando atraviesa el prisma. La luz como forma de energía, a través de todos los tiempos cognoscitivos que ha experimentado la humanidad, ha sido considerada símbolo del conocimiento verdadero. Del saber eterno. De la sabiduría divina con que fue creado todo cuanto es. Esta sabiduría divina, es solo un reflejo de una mente suprema que contiene su propia luz y por donde ésta luz se desplaza, toda la oscuridad retrocede.

Entiéndase por ello, la ignorancia, el desconocer, el no saber.

Las seis salas contiguas donde el artista integra su obra, con la sola presencia de éstas, se han transformado en otro espacio vivo y dinámico. Probablemente en el espacio que sus arquitectos visualizaron al concebirlo como santuario del arte. Un lugar donde se dignifica la calidad creativa del espíritu del artista y donde se estimule esta condición innata en el hombre cual proyecta lo divino en él. Lejos de ser política o religión.

Cuando veo la obra de Suárez, entiendo todo eso porque se que estoy ante una obra simple que comunica acerca de las complejidades de la existencia en su propia realidad, pictórica y conceptual, simple y compleja, grande o pequeña. Percibo y valoro su capacidad de síntesis. De simplificar y reducir aún lo más a lo mínimo, a lo esencial. Y esta relación directa con la esencia, es lo que distingue esta serie de obras. Porque desde esa esencia, es donde se logra entender el sentido de un koan zen que nos llama a escuchar solo “el sonido de una mano que aplaude”.

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We passed By Hardcore Art Contemporary Space to see what was up and runnig, The gallery has change some what from hard core to Contemporary art the gallery had many artist on diplay , and a one person show of Gabriela Morawetz “Closer to me than myself”,hope you enjoy the video.

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Here we are at Art Basel Miami Beach, this fair is larger than last year we where not able to see all of it. The both  some time where well layout and large the fair was conservative and we where able to see many artist from the past Hockney, Clemente, Stella, Basquiat, Soto, ect… We love to see so much art, and people the place was pack it is a must see fair, we hope you enjoy the video.

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Here we are at NADA miami 2009 a very good fair in the past it was good this year, we love its past location which was taken this year by Pulse the fair is well organized, we found it to be rather conservative this year, but like we said fairs are to sell and not to display art at its best, this fair try to display the art better then some of the other fair and it is difficult to be excepted. We did enjoy it and loved the hotel it was at. Hope you enjoy the videos.

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Here we are at Photo Miami 2009, this fair has suffered a set back for it has changed management, much smaller and many image which we found commercial,  that not to say that there was not some very good images, we hope the fair gets it together for next year and hope to see more than what was up. We found that some of the other fair had better photos. we hope you enjoy the video.

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We alway go to Artcenter / South Florida we have always found great shows, and at the same time studios, and galleries of artist, it is located in 924 Lincoln Road Miami Beach, we like that it is always in flux, and you may meet the artist in there space of work. we thank the artist and the space.

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Here we are at SCOPE Miami 2009, so much works of art very good, bad, and well ugly but in general very interesting.We think it is very hard to display art in a fairs for they are for selling art, and well not displayed  at there optimum, art fairs are not biennials, or shows, so we may understand some what the disarray almost to much to see, but when we really look at the work and forget its surrounding we can enjoy the work in some what  intimate way, maybe having music in our ear to get some of the noise out of the way, we did enjoy the works and well some of the people where very interesting. Hope you enjoy the video.

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pre NADA Art Fair 2009

We where abel to se the installation of the NADA art fair so here is a small video from the Iphone, we hope to put more of the Miami Art Fairs soon.

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New Art Dealers Alliance (NADA)

We are now getting our past in order and bring some of the video shown in the gallery in the 80s, Cesar Stephenberg one of our founder has sent us some of his video works shown in  msa gallery

Semiotica del Batey 1parte

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wake up

La Escuela de Artes Plásticas celebrará el próximo martes 10 de noviembre la apertura de la undécima exposición del Departamento de Escultura. En esta actividad el público que asista podrá presenciar un evento multi-dinámico que incluirá música, “perfomance art”, esculturas y varios medios mixtos.

Unos 26 estudiantes de todos los departamentos de la EAP estarán participando en la exposición desde el 10 hasta el 27 de noviembre. Sobre 30 esculturas hechas en piedra, cristal y madera, entre otros materiales, formaran parte de esta exhibición colectiva.

El jurado de selección, Linda Sánchez Pintor y el Director del Departamento de Escultura, Adelino González, se reunió el 5 de noviembre para escoger las piezas que formarán parte de la exposición, y se presentará por toda la sede base de la Escuela.

Los estudiantes seleccionados entregaron obras realizadas en “cualquier medio existente dentro de la escultura”. Los trabajos muestran la capacidad de los estudiantes para realizar obras únicas con un manejo innovador, creativo y elegante.

Además de brindarles la oportunidad a los estudiantes de la EAP de poder exhibir sus obras en la galería de la Escuela, la diseñadora de joyas Jeannette Fossas donó una pieza de su autoría que se le va a entregar como reconocimiento a la obra que cumpla con todos los criterios de ser una pieza de excelencia.

Escuela de Artes Plasticas

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Thurdmon Capote

AZUL – AMBIGUO

La exposición de Arnaldo Roche en el MAC

Hace muchos años atrás, alrrededor de mis veinte años, solía visitar a una chica de nombre Lolita. No sé y tampoco me preocupé en averiguar si este era su verdadero nombre. La cosa es que la muchacha poseía uno de los cuerpos más bellos que he visto en mi vida y una inteligencia que a veces me hacía preguntar del porqué esta divinidad de mujer trabajaba en tal oficio. Pues además de poseer una perspicacia y una sensibilidad peculiar, tenía también una vulva mágica, como corona de estéfanos condecorada por los dioses. En otro mundo, en otras épocas y latitudes debía haber sido una doncella de alta alcurnia o una dama a caballo pintada por Campeche. Pero el destino le jugó su broma fatal.

Comienzo esta crítica o ensayo de marras con este juvenil recuerdo porque al visitar esta exposición, “Azul”, de Arnaldo Roche, en el Museo de Arte Contemporáneo, de alguna manera me acordé de Lolita y todavía me estoy preguntando del porqué. Abajo, en el primer piso, la obra data de los años ochenta, los años de los famosos autorretratos en diferentes colorines donde el artista se presenta a sí mismo con hojas de yagrumo en la testa y ojos azules. Eran texturas incipientes a lo Francis Bacon y reminicensias de Ansel Kiefer muy bien ejecutadas y que, de paso, dieron al traste en el mundo artístico de aquel entonces porque fueron proclamadas como emblemas del artista y la época. En estos cuadros se asomaba la geneología del pintor y nos ofrecían álitos sobre nuestra amalgama, tanto racial como política, pero sólo, (al menos, para mí), exponiendo nuestra interrogante diatriba sin fin, como debía ser propio en aquel entonces. Es decir, el artista era real, auténtico.

Más adelante, en las salas contínuas encontramos obras que se identifican en los años ochenta tardíos y algunas otras de los noventa. En estos rectangulares cuadros, de proporciones horizontales y de considerable tamaño, el pintor nos presenta una serie de bodegones en primer plano y con vistas panorámicas al área del Condado. Estas piezas marcan ‘la joya de la corona’, pues fueron logradas con una exquicites de juicio y balance, englobadas en el más rico ‘Barroco Brut’ que se pueda lograr y donde el pintor jugaba con la técnica de manera resoluta, directa y franca y donde la pincelada es realzada por su ya patentizada fórmula del ‘frottage’. Los tonos oscuros, marrones y grises, le daban esa tristeza antillana que desborda nuestro inconsciente colectivo en una grato y sensual lirísmo Kitsch de magna condecendencia y entendimiento. Aquí, el pintor recreaba todos los artefactos y estilemas que cargan nuestras cultura caribeñas de pueblo juvenil y bullanguero, pero a la misma vez, retorcidamente bello y rítmico. Estas pinturas jugaban y juegan con nuestros placeres, a la vez nos remiten dulces flechazos al corazón, donde cualquier caribeño bien educado y correspondiente de cada isla hispana, puede entenderlas y gozarlas.

Hasta aquí Arnaldo es una delicia y podemos muy bien entender que no ha sido por mera casualidad que nuestro artista ha logrado calzar el tope del sacrosanto monte de la fama y la gloria. ¡Loas al creador! Aquí me quito el sombrero y me doblo a lo más allá que mi silla de ruedas (y mis lastimados huesos) puedan permitirme. ¡Pero entonces…! Llegamos a las salas del segundo piso y aquí encontramos lo ‘azul’ de esta exposición y su razón al título. Los trabajos son hechos en papel enyesado. Encontramos ecos de las técnicas ya empleadas en el pasado, pero hold it! ¡Aquí hay algo que parece dejarnos lelos! El ímpetu con que el viento asota mis montañas en lontananza, el ácro y salado oleaje de mi mar, el brochazo audaz que matiza mis corales y lo escarpado de mis rocas abiertas, el arabesco de mis linderos campeadores, el brío del Josco embravecido y listo a desmadrarse antes de claudicar, el viejo sol que explota en mil matices cada vez que se asoma o se esconde, el sagrado espacio que delínea mi corazón y lo pone a quebrarse a medida que observa ese inmaculado, pero nervioso horizonte, el vuelo del guaraguao flotando por debajo de mis nubes, ¡todo esto señores, todo esto nos pertenece… y aquí no hay nada, aquí no están! ¡Se diría que las malditas corporaciones privatizadoras nos han robado la luz de la mente! ¡Se diría que nos hemos ya rendido en medio del azar! ¡Se diría que cada puertorriqueño ha renunciado a su propia alma y se ha entregado a ser vejado, anulado, violado y desvirgado en el mosntruoso fuego de los cántaros metálicos de la Gulf! Se diría que hemos ya muerto como nación y no nos hemos dado cuenta que sólo somos zombis deambulando en el maléfico entramado de una burda y rancia elite de enrriquecidos mafiosos de pacotilla y en un sistema que se niega a funcionar. ¡Pero me niego a morir!

Albizu Campos decía que no creía en la muerte, pero aquí: ¿dónde carajos están los cojones? Elocuentes aureolas planas de santos medievales en lugar de coronas de héroes en carne y huesos, figuras al desnudo que ponen en manifiesto estándares cristianos, pero a la vez atestados de pipíces muertos y glúteos fofos, posiciones en sesentaynueves asfixiantes, felasios soslayados y cunilínguses bobolones como para quedar bien con los conservadores tanto como con los opuestos (es decir, vendibles), costillales desenfrenados y primitivismos inconsencuentes, extremidades mal logradas en el dibujo y enmascaradas en un expresionismo de embuste, anos apretados y punteagudas lenguas a la vez que citas destempladas sobre la locura, la fiebre, Dios y la falta de amor infantil. Y otra endécima vez, el viejo Gauguin y el viejo van Gogh citados como arquetipos de vacas sagradas ya espantadas por los siglos. Yo pensaba que Dios era antigay, pero al ver las inmensas cabezas del águila imperial, en azul marino imperial, rapaz azul y enloquecido azul, entendí que quizás Dios, muy bien podía ser gay. Composiciones vacías y repetitivas. Falsas reproducciones técnicas de sí mismo y espacios negativos que no guardaban sentido con los elementos en derredor. En realidad una desdicha que me causó una instantánea depresión e hizo que el artista perdiera allí mismo, en medio de la espaciosa y desolada sala, un admirador. Pero ya venía yo viendo ésto desde el último Circa, donde Roche presentó unas pinturitas falsas, que parecían hechas por la mano de un mediocre copiador o un retardado mental.

En el camino hacia Yagüecas del Sur, iba yo pasando por el pueblo de las Colinas de la Coca, cuando avisté un ruiseñor que surcaba el aire como una bala a media altura con la mala suerte que se metió de cabezas dentro del automóvil que tenía yo al frente en el carril del lado. De repente un sinúmero de plumas salieron desde el abierto cristal por donde el ave entró y al yo pasarle me percaté de que el pobre animal estaba pegado al cristal trasero con el cuello enterrado en su pecho y aleteando a la deriba. Midió mal su vuelo, pensé. Le hice señas al conductor. Miré por el retrovisor y observé el rostro de éste muriéndose de la risa por la desgracia del pajarito. Mis lágrimas se desvanecían con el soplo del viento que entraba por mi ventana. No hay clemencia, no hay amor. Somos un pueblo de desgraciados sin remedio. Pensé que si existía la esperanza, tal cosa no era para nosotros. Entonces fue cuando volvió a mi mente la bella imágen de Lolita, joven y fogosa, que treinta años después, vieja y cansada, se había retirado de su oficio de puta profecional para vender viandas en la Plaza de Santurce.

¡Qué pena! Salí del MAC desilucionado. Pero al menos, Lolita entendió cuándo debía parar de pintar.

Por Thurdmon Capote   2009

El Museo de Arte Contemporáneo

Edificio Museo de Arte y Senado Académico (MuSA) Universidad de Puerto Rico Mayaguez 2009

A new museum for the island and the Universidad de Puerto Rico (UPR)

Not that we don’t have museums in Puerto Rico (PR) well we have many exhibition spaces but accredited (accredited by the museum of the major powers of the world that say you are a museum)  we think there is only one and it is under construction in Ponce, so  here is one more to the list of exhibition spaces, we are hopeful that the collection of this institution will be finely on display here we can see some of the space.

Here is how you get accreditation The AAM Museum Accreditation Program

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